La Tribune de Louveciennes

« LA LIGNE ROUGE », un des chefs-d’oeuvre de Terrence Malick

La beauté confrontée au mal

(Cet article est susceptible d’intéresser ceux qui ont vu le film ; pour les autres, attention « spoiler » comme on dit en bon français.)

« La Ligne rouge » de Terrence Malick qu’on a pu voir récemment sur Arte est indiscutablement un des meilleurs films sur la guerre. Il n’en manque certes pas et des grands comme ceux de Coppola, de Cimino ou de Kubrick mais la vision de Malick est particulière. Plein d’un contraste saisissant entre une nature paradisiaque et la cruauté des combats. La guerre est la face noire opposée à la beauté du monde.

L’histoire suit le quotidien des soldats américains de la compagnie Charlie contre les forces japonaises lors d’un épisode de la célèbre bataille de Guadalcanal en 1942 durant la guerre du Pacifique.

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« La Ligne rouge » marque le retour de Terrence Malick à la réalisation qu’il avait abandonnée durant près de 20 ans, après ses deux premiers et remarquables films, « Badlands » (« La ballade sauvage ») (1973) et « Days of Heaven » (« Les moissons du ciel ») (1978).

L’adaptation d’un roman

Terrence Malick a basé son scénario sur le roman de James Jones, The Thin Red line, paru en 1963. Jones a servi comme fantassin dans l'armée américaine dans le Pacifique Sud et a participé à plusieurs phases de la bataille de Guadalcanal entre août 1942 et février 1943.

Jones reprend les personnages de son premier livre, « From Here to Eternity » (1952), qui traite des événements liés au bombardement de Pearl Harbor. Ce roman a d’ailleurs fait l’objet d’une adaptation cinématographique par Fred Zinnemann (« Tant qu’il y aura des hommes » en VF) avec Burt Lancaster, Deborah Kerr, Montgomery Clift et Frank Sinatra. (Le film avait remporté l'Oscar du meilleur film en 1953).

Pour sa part, « The Thin Red Line » avait donné lieu à une première adaptation en 1964, dans une version signée Andrew Marton (1). 

Le tournage

Terrence Malick et ses producteurs ont réuni un casting étoffé avec de nombreux acteurs masculins de Hollywood : Sean Penn, Nick Nolte, John Travolta, Adrian Brody, John Cusack, George Clooney, Woody Harrelson,…

Le montage initial approchant les six heures, Terrence Malick a été dans l’obligation de supprimer bon nombre de séquences, transformant certains acteurs en quasi-figurant (deux répliques pour Adrien Brody qui il est vrai apparaît souvent à l’écran avec sa face tragique, une seule scène pour George Clooney et pour John Travolta) ; certains acteurs n’ont simplement pas été retenus dans le montage final comme Mickey Rourke et Gary Oldman. Le film dans sa version définitive dure 2 h 42.

Quatre acteurs, particulièrement valorisés par le metteur en scène, livrent une prestation extraordinaire : Nick Nolte, Sean Penn, Jim Caviezel et Elias Koteas.

Le directeur de la photographie est John Toll qui avait gagné deux Academy Award pour Legends of the Fall et Braveheart.

Le tournage a eu lieu en Australie, à Guadalcanal et aux Etats-Unis. L’Australie a été retenu pour des raisons logistiques évidentes et parce que le nord du Queeensland offre des paysages analogues à ceux des îles Salomon (plages, récifs de corail, collines aux herbes hautes). Les prises de vue en Australie ont duré 80 jours, à Guadalcanal 20 jours, 3 jours à San Pedro (2).

Une ouverture paradisiaque

Le film s'ouvre sur l'image d'un énorme crocodile plongeant lentement dans un étang rempli de mauvaises herbes et sur des images d’arbres dans étouffés par des lianes. Les premiers mots (en voix off) nous interrogent : « Quelle est cette guerre au cœur de la nature ? Pourquoi la nature rivalise-t-elle avec elle-même ? Pourquoi la terre affronte-t-elle la mer ? Y a-t-il une force vengeresse dans la nature ? Pas une seule force mais deux » alors que s’élève un très beau chant mélanésien.

Le soldat Robert Witt (Jim Caviezel), pacifiste dans l’âme, déserteur de circonstance, préfère goûter à une vie hédoniste plutôt qu’à la dure condition de soldat. Sur ces îles Salomon, il est au contact de tribus locales qui vivent de peu, en harmonie (apparente) entre elles et en symbiose avec la nature. On pense à un monde d’avant le péché originel. Des enfants s’amusent, des adultes pêchent, des mamans protègent et éduquent leurs enfants, et Witt qui plonge dans une mer turquoise, Witt sur sa pirogue qui pagaie sereinement. Avec un sourire emprunt de bonté qui éclaire son très beau visage.

(Robert Witt - Jim Caviezel)

Mais cette parenthèse enchantée a une fin. Afin de lui éviter la Cour martiale pour désertion, le sergent-chef Edward Welsh (Sean Penn)  lui offre la possibilité de réintégrer l’armée comme brancardier. 

« Molière, mots d’hier » par la troupe des Coeurs Volants

« Les Cœurs Volants », troupe de théâtre amateur louveciennoise fondée en 1995, a présenté en 2022 et 2023, dans le cadre des 400 ans de la naissance de Molière d’une part et les 350 ans de sa mort d’autre part, un spectacle autour de Monsieur Jean-Baptiste Poquelin. Ils ont choisi tous ensemble des extraits de ses pièces, parmi les plus célèbres : Le Misanthrope, Tartuffe, Les Précieuses Ridicules, Le Bourgeois Gentilhomme et le Malade Imaginaire. 

Le spectacle – « Molière, mots d’hier » - a été présenté à Louveciennes tout d’abord à l’occasion du Festival de théâtre en juin dernier, puis en décembre, dans une version simplifiée pour les élèves de l’École Doumer, puis à nouveau dans son intégralité à la fin du mois de janvier - dans la salle Camille Saint-Saëns - et tout récemment, la troupe a été invitée en Alsace afin de présenter la pièce dans la région de Strasbourg.

Il est intéressant de voir comment les comédiens se sont approprié les textes de Molière. Après avoir opté pour cet immense auteur, chacun(e) a lu et sélectionné de son côté sa ou ses pièces préférées. Ils se sont ensuite accordés pour choisir les pièces et/ou les scènes, sélectionnées ; les scènes sont des extraits connus, variés, qui vont de la comédie, de la fantaisie à des scènes plus « sérieuses » et dramatiques comme dans le Misanthrope. Chacun a pu donner son avis et se rallier à la majorité du groupe. Après de nombreuses répétitions, ils se sont aperçus que les choix créaient un spectacle un peu long - ce qui leur arrive souvent car ils sont friands de textes ; il fallait donc restreindre les choix sans pour autant couper les scènes qui ont été présentées dans leur intégralité. La durée du spectacle est d’environ 1 h 40.

(Le salut des comédiens à l’issue de la représentation - Photo Marc Antoine)

Sur la mise en scène

Claudine Jacquette a rejoint la troupe pendant plusieurs mois ; c’est elle qui a mis en valeur et a guidé les comédiens tout au long de cette aventure molièresque. Elle travaille habituellement avec une ligue d’improvisation mais elle a accepté d’accompagner la troupe pour cette création : elle a su diriger les comédiens et les soutenir moralement lorsqu’ils avaient chacun(e) à leur tour, des difficultés à appréhender la langue de Molière, non seulement pour la prose mais aussi et surtout pour les vers ! Puis Sanjarbek Khodjaev a rejoint le projet et fort d’une expérience théâtrale antérieure (et notamment des cours de théâtre au cours Florent), il a surtout eu un regard neuf sur le travail des comédiens pour les guider dans les scènes encore non abouties. Sanjar est arrivé dans la troupe avec et grâce à Molière. « J’aime Molière, surtout en vers, sa façon de rire des hommes riches, politiques, son humour et son don inné de la satire. »

La mise en place, la mise en scène est également le résultat d’un travail collectif car la plupart des comédiens de la troupe ont déjà acquis une expérience qui leur permet de donner ou de suggérer des indications scéniques.

Le travail a été particulièrement intense pour les quatre comédiens interprétant les extraits du Misanthrope ; ce fut un sacré challenge mais, dès que leur rôle a été incarné, tout, subitement, devenait lisible et transparent !

L’adaptation du spectacle destiné aux représentations scolaires a été l’objet d’une remise en question ; les comédiens ont été amplement récompensés par les réactions joyeuses et spontanées des enfants qui les ont confortés dans leurs choix !

Thierry Grebonval a conçu la scénographie sonore et lumineuse. Pour lui « les mots d'hier seront aussi, les mots de demain... C'est un voyage dans le temps... Il était intéressant de confronter : Lumières d'hier / Lumières d'aujourd'hui : Bougies, luminaire, lanterne / Lasers, lumière noire, livre lumière ... Il était intéressant de confronter : Musique d'hier / Musique d'aujourd'hui : morceaux repris en baroque, mélange des genres, glissement du temps, contraste en opposition entre la musique classique ou le morceau rock du final, etc. ».

Les décors

D’année en année, les décors utilisées pour les représentations de la troupe se simplifient. En effet l’imagination des spectateurs est immense, ne les sous-estimons pas ! 

Il a suffi de quelques pièces de mobilier strictement nécessaires comme des chaises de style classique ; afin de restituer l’ambiance de l’époque, ont été retenus  des bougies artificielles et/ou naturelles en bord de scène, les ampoules du lampadaire imitant la bougie et par opposition, des accessoires complètement décalés comme un poste de radio, une tablette informatique, un téléphone portable, une radiographie, etc Le référent logistique – le « Mac Gyver » des Cœurs Volants ! est Bruno Ghysel qui adore s’occuper des décors, c’était d’ailleurs pour son don pour le bricolage qu’il est entré dans la troupe.

Le ressenti des comédiens

Marc Antoine : « Molière est le père de la comédie française. On comprend son vocabulaire, son ironie et on situe ses personnages dans la pyramide sociale. Un souverain, des nobles, des marchands... et beaucoup de femmes… (la sagesse sort souvent de la bouche des servantes). Molière avait l’ambition de corriger les hommes en les divertissant ; s'il nous a diverti, il y a aujourd’hui encore des malades imaginaires, des tartuffes et des harpagons… »

(de gauche à droite, Sylvie Floc’h, Marc Antoine et Catherine Lacroix-Jousselin dans le Bourgeois Gentilhomme)

Catherine Lacroix-Jousselin  : « Molière est toujours d’actualité : le valet des Précieuses est tout à fait comparable avec les influenceurs d’aujourd’hui ; Célimène est une pétasse pas gentille – du tout - et Arsinoé est celle qui se croit un modèle de vertu ; Orgon et l'Arnaqueur ; le Malade et les faux médecins, thème récurrent et hélas toujours actuel ; le Bourgeois à comparer avec les arrivistes, etc. Nous tentons, nous, comédiens amateurs, d’être aussi modernes que LUI ! »

Frédérique Mouchenotte-Ghysel : « En tant que comédien(ne), nous avons le sentiment d’avoir croisé Molière pendant nos répétitions, d’avoir échangé avec lui sur les différents caractères que nous avons interprétés, de l’avoir tutoyé et ri avec lui des travers de ses personnages toujours aussi actuels. »

Marie Barreira : « Molière m’a permis de me replonger dans ses pièces et de découvrir des œuvres que je n’avais pas lues et qui sont toujours d’actualité. Quand je suis entrée dans la troupe c’était pour m’occuper des changements de costumes dans les coulisses et j’ai eu parfois plus de pression que de jouer sur scène ! »

(de gauche à droite, Frédérique Mouchenotte-Ghysel, Yves  Delot, Marie Barreira dans Les Précieuses ridicules  - Photo Marc Antoine)

Nathalie Ghysel-Allain a été « heureuse de faire vivre les mots de Molière à travers un spectacle accessible à tous les âges, coloré, drôle et moderne. »

Pascale  Pajaud : « Molière m’a laissée sans voix, au propre et au figuré ! J’ai eu une extinction de voix pendant notre séjour en Alsace, heureusement pour les spectateurs, ma voix faiblissait au fur et à mesure et la dernière réplique fut presque murmurée (!) … Pour moi Molière, c’est le THEATRE, intemporel …  J’ai été émerveillée par les réactions des enfants de l’école Doumer. »

Stéphane Lagneau : « J’ai trouvé une famille je ne m’attendais pas à être accepté, on m’a donné la chance d’être parmi la troupe ; j’ai commencé clochard et j’ai fini malade (Imaginaire, bien sûr). Je suis ravi de pouvoir continuer l’aventure. »

Sylvie Floc’h : « J’ai aimé jouer les servantes : la coiffe était différente à chaque fois et c’était magique, j’incarnais un autre personnage ! »

Yves Delot : « Molière n’est pas poussiéreux, nous sommes fiers d’avoir rendu Molière accessible aussi bien aux enfants qu’aux adultes qui se sont laissé surprendre… »

(de gauche à droite, Yves Delot, Stéphane Lagneau et Pascale Pajaud dans le Malade Imaginaire - Photo Marc ANTOINE)

« Molière avec ses maux et ses mots, restera pour toujours le Patron non seulement des comédiens mais surtout celui de tous les spectateurs du monde entier.  »

Les perspectives

La troupe des Coeurs Volants a pris beaucoup de plaisir à préparer le spectacle, puis à le jouer encore aujourd’hui ! Elle espère le rejouer bientôt dans le cadre de représentations scolaires ou dans le cadre d’un festival qui devrait avoir lieu avant l'été.

Elle travaille actuellement sur un nouveau spectacle : un choix de sketchs autour de la télévision, ses dérives, ses travers ; des journalistes ou correspondants qui sont plus vrais que nature, à peine caricaturés … Ce spectacle sera présenté pour la première fois, lors du festival de théâtre de Louveciennes, en juin prochain.

(Les témoignages ont été recueillis par Frédérique Mouchenotte-Ghysel. Les photos sont de Marc Antoine).

La distribution

Marc Antoine > Philinthe dans le Misanthrope (Acte 1 scène 1), M. Jourdain dans le Bourgeois Gentilhomme (Acte 3 scène 3)

Marie Barreira > Cathos dans les Précieuses Ridicules (Scènes 6, 8, 9)

Yves Delot > Alceste dans le Misanthrope (Acte 1 scène 1), Mascarille dans les Précieuses Ridicules (Scènes 6, 8, 9) et Béralde dans le Malade Imaginaire (Acte 3, scènes 8 à 10)

Sylvie Floc’h > Dorine dans Tartuffe (Acte 1 scène 4), Marotte dans les Précieuses Ridicules (Scènes 6, 8, 9) et Nicole dans le Bourgeois Gentilhomme (Acte 3 scène 3)

Bruno Ghysel > Cléante dans Tartuffe (Acte 1 scène 4) et Almonzor dans les Précieuses Ridicules (Scènes 6, 8, 9)

Catherine Lacroix-Jousselin > Célimène dans le Misanthrope (Acte 3, scène 4) et Mme Jourdain dans le Bourgeois Gentilhomme (Acte 3 scène 3)

Stéphane Lagneau > Orgon dans Tartuffe (Acte 1 scène 4) et Argan dans le Malade Imaginaire (Acte 3, scènes 8 à 10)

Frédérique Mouchenotte-Ghysel > Magdelon dans les Précieuses Ridicules (Scènes 6, 8, 9)

Pascale Pajaud > Arsinoé dans le Misanthrope (Acte 3, scène 4) et Toinette dans le Malade Imaginaire (Acte 3, scènes 8 à 10)

Récitant(e) : Nathalie Ghysel-Allain ou Sanjarbek Khodjaev 

Mise en valeur des comédiens : Claudine Jacquette

Scénographies sonores et lumineuses : Thierry Grebonval

Régie plateau : Jacky Vandekerkhove

Costumes : Catherine Lacroix-Jousselin, Marie Barreira et emprunts à la Compagnie Versailles Soleil

Affiche : Eloïse Diboine

Les coordonnées de la Troupe des Coeurs Volants 

Adresse mail > [email protected]

Adresse postale >

Les Coeurs Volants

21, rue de Montbuisson

78430 Louveciennes

Téléphone > 06 42 50 13 65

 

Une parenthèse enchantée à partager ensemble

Deux Louveciennois passionnés de cinéma, Jean-Paul Jaouen* et Daniel Godard**, viennent de créer un véritable ciné-club sous le nom évocateur de « La parenthèse enchantée ». 

Ce ciné-club fonctionne sous la forme d’une association présidée par Jean-Jacques Petit et dont nos deux passionnés sont les vice-présidents. Les séances ont lieu, en principe une fois par mois, dans la salle Saint-Saens qui offre un équipement correct pour une diffusion sur grand écran.

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La Tribune de Louveciennes - Cette idée de lancer un ciné-club à Louveciennes a pu étonner. N’est-ce pas là un projet de nostalgiques des années cinquante, soixante qui ont découvert dans ces lieux les chefs-d’oeuvre du cinéma, ceux de d’Orson Welles, de John Ford, d’Howard Hawks, et bien d’ autres et sur lesquels ils ont discuté, ferraillé de longues heures durant ? Est-ce que cette manière de partager l’amour du cinéma correspond encore aux besoins exprimés par les  jeunes générations ? 

Jean-Paul Jaouen - Cette approche qu’un ciné-club soit uniquement tourné vers le passé est une idée reçue. Lorsque j’ai eu l’idée de ce ciné-club l’objectif premier a été de faire se rencontrer les Louveciennois de tous âges, privés durant deux années consécutives de réunions entre amis pour cause de confinement et de Covid. Le lien social devait être rétabli entre les personnes et entre les générations. Quoi de plus facile pour les réunir que le cinéma et la culture ? Pour ce faire nous avons imaginé la projection d’un film grand spectacle, transgénérationel (pour parler comme aujourd’hui), non clivant,  suivie d’une discussion autour d’un verre de l’amitié. Nous avons commencé par « Le dernier empereur » de Bernardo Bertolluci, film fédérateur par excellence. Oublions les soirées prise de tête, nous préférons le cinéma qui fait rêver. Les stars, les paillettes, les courses-poursuites endiablées, les diligences poursuivies par les indiens, les héros magnifiques qui viennent sauver le monde …. ceci n’interdit pas de proposer des films plus intimistes qui correspondent à un choix artistique affirmé. 

Daniel Godard - Concernant le « nouveau ciné-club », il y a plusieurs conceptions possibles. Personnellement, étant à l'origine de l'idée (germée pendant notre confinement) et en tant qu'un des Vice-Présidents du « nouveau ciné-club », je suis partisan d'un «vrai» ciné-club, «à l'ancienne».

Il ne s'agit pas réellement de «nostalgie de vieux cinéphiles» comme vous l'avez évoqué rapidement, mais de bien plus que cela : du désir de partager notre passion de cinéphiles, de contribuer à recréer du lien social (fortement abimé pendant la longue période de confinement) et à transmettre un patrimoine culturel considérable.

Dans cette conception, il s'agira de projeter:

• des « grands classiques » que des anciens auront plaisir à revoir et que des plus jeunes seront heureux de découvrir au même titre que les « films de patrimoine » ; il n'y a pas que les films d'action américains, bourrés d'effets spéciaux, dans le vaste univers du cinéma, heureusement… ; 
• des œuvres de qualité de différentes cultures : films italiens, japonais, polonais, scandinaves, russes, chinois, voire : britanniques, espagnols, etc… ;
• de permettre des échanges directs mettant en valeur les différents aspects et intérêts de chaque film projeté ;
• d'associer les membres actif du Ciné-club aux choix de films.

TL - L’offre pour visionner des films est très abondante, pléthorique même. On peut les voir dans les salles de cinéma mais également sur les plateformes de streaming (Netflix, Prime Video, My canal,…), en achetant ou en louant un Dvd ? Qu’est-ce que vous apportez de différent ?

Jean-Paul Jaouen - Jean-Luc Godard disait, quand on va au cinéma on lève la tête. Quand on regarde la télévision on la baisse !…J’ajoute que le plaisir de partager avec d’autres personnes une émotion cinématographique est nettement plus fort dans une salle de spectacle que devant un téléviseur si plat soit-il.

Nous proposons un club d’amoureux du cinéma qui aiment regarder des chefs-d’oeuvre ensemble sur un grand écran.

Et ce petit frisson qui souvent vous fait regretter de quitter si vite l’histoire qui vous a emporté durant 2 heures ? Ce que nous apportons de différent ? Une réunion entre amis qui viennent partager plus que du cinéma, de l’émotion et quelques verres à la gloire du passé  du présent et de l’avenir. Entre copains. Cela s’appelle la convivialité.

Daniel Godard - La première idée, très simple, de créer in ciné-club à Louveciennes était de contribuer à recréer du lien social en partageant notre passion pour le cinéma, sur place, avec la possibilité d'échanges variés directs. C’est une chose de regarder un bon film tout seul devant sa télévision, c'en est une autre de le regarder au sein d'un petit groupe de cinéphiles dans une vraie salle avec la possibilité d'en parler ensemble ensuite.

TL - A la lecture de votre programmation***, on constate qu’à côté de films dits de qualité (Le dernier empereur, La prisonnière du désert) vous affichez également du cinéma commercial (Le clan des siciliens, Le cave se rebiffe). Que cherchez-vous à travers cette combinaison ?

Jean-Paul Jaouen - Quelle idée d’opposer la qualité et le commercial ! Parce qu’un film a fait un grand nombre d’entrées salles il ne serait pas de qualité ? Alors « La grande vadrouille »,  qualité ou commercial ? « Le concert » qualité ou commercial ? Les critiques cinématographiques sont prompts à encenser des films prise de tête. Nous voulons du divertissement intelligent, accessible, qui précisément mélange les genres. Des comédies, des drames, des westerns, des films d’aventure et pourquoi pas des films peu connus mais qui présentent un intérêt artistique ou événementiel. Notre programmation doit convenir à tout le monde, c’est dans cet esprit que nous l’avons faite. 

« Don't Look Up », entre jubilation et réflexion

« Don't Look Up : Déni cosmique » a été indiscutablement un des évènements cinématographiques de ces dernières semaines. Il a été vu par des millions de personnes à travers le monde sur la plateforme Netflix. Il concourt pour décrocher un ou plusieurs Oscars.
La satire est cruelle. Prennent pour leur grade les grands médias (la télévision, la presse) et leur volonté de faire avant tout de faire de l’audience, les politiques uniquement obnubilés par la conquête puis le maintien du pouvoir, les adeptes fanatiques des réseaux sociaux qui chassent en meute, les gourous-entrepreneurs de la Silicon Valley avec leurs discours doucereux mais qui en même temps s’enrichissent d’une manière éhontée.
Mais toutes ces dérives sont également liées aux faiblesses des comportements humains. Ils nous empêchent de faire face aux énormes défis qui se posent à l’humanité (le réchauffement climatique, l’explosion démographique, la faim dans le monde, les pandémies, la dissémination des armes nucléaires, la montée des  fanatismes notamment religieux,…).

La démocratie minée par l’individualisme est également en danger dans nos pays ; on observe quotidiennement des dérives inquiétantes.

Ce film provoque un plaisir jubilatoire tout en ouvrant des  abîmes de réflexion. Le spectateur s’amuse beaucoup à son côté burlesque servi par une pléiade d’acteurs éblouissants.

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Pour ceux qui n’auraient pas vu le film

Deux astronomes américains, le professeur Randall Mindy (Leonardo DiCaprio) et la doctorante Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), identifient, par hasard, une comète géante, large d’une dizaine de kilomètres, qui fonce droit sur la Terre qu’elle va détruire totalement dans six mois.

(Les deux astronomes incarnés par Leonardo DiCaprio et Jennifer Lawrence)

Ils entreprennent alors d’alerter les politiques au plus niveau puis les médias et le grand public. Dans un premier temps ils avertissent « Teddy » Oglethorpe, directeur du Bureau de coordination de la défense planétaire ainsi que la NASA qui sont convaincus de la justesse de leur prévisions. Rendez-vous est alors pris à la Maison Blanche pour informer la Présidente des Etats-Unis, Janie Orlean (Meryl Streep). Après avoir dû patienter une journée entière, ils sont enfin reçus par la Présidente en présence du chef du cabinet qui n’est autre que son fils. Ils essaient de lui expliquer la gravité de la situation. La Présidente, en tailleur rouge, longue chevelure blonde, est plus préoccupée par les élections de Mi-Mandat que par la catastrophe prophétisée par nos deux braves astronomes, qui viennent il est vrai d’une université, celle du Michigan, dont la notoriété ne saurait égaler celle de Harvard ou de Princeton. Sa conclusion : « Pour le moment, je propose qu’on patiente et qu’on avise ». Dans sa logique, c’est clair : « Si l’info sort avant les élections, on perd le Congrès, et on ne peut plus rien faire. »

(Dans le bureau ovale, au fond, La Présidente, Meryl Streep, au premier plan, les deux astronomes)

Devant cet échec, Mindy et Dibiasky décident de s'adresser au grand public en se prêtant à une apparition à la télévision. Ils sont invités dans l'émission The Daily Rip, dont les co-présentateurs sont Brie Evantee, une belle blonde oxygénée (Cate Blanchett) et Jack Bremmer (Tyler Perry), un noir à la carrure impressionnante et à la voix grave. Ils ne sont pas les seuls invités de l’émission qui fonctionne sur le principe de l’infotainment, mélange de l’actualité sérieuse avec le divertissement. L’émission commence par l’évocation d’un scandale de mœurs concernant le sheriff Conlon que la Présidente veut nommer à la Cour Suprême. On passe ensuite à une vedette de la chanson, Riley Bina, qui est sous les feux de l’actualité depuis la rupture avec son petit ami le DJ Chello. Le clou de l’émission sera d’ailleurs leur réconciliation grandiloquente en direct live à l'antenne. 

C’est enfin le tour de nos deux scientifiques à qui il est conseillé d’être « léger, marrant » ; en exposant les faits, ils ont droit au regard moqueur des co-présentateurs ainsi qu’à des remarques propres à les ridiculiser. Ainsi lorsque sur un ton rigolard  le co-présentateur s’enquiert « Ce truc fait quelle taille ? Cela peut détruire la maison de mon ex-femme ? Est-ce possible ?» Kate Dibiasky hurle qu’elle est sûre « à 100 % qu’on va tous crever », avant de quitter écoeurée le plateau laissant seul un Randall Mindy désemparé. Brie Evantee conclut la séquence par « Le bel astronome peut revenir mais la dame qui crie, on va éviter ».

Après cette émission, les réseaux sociaux se déchainent contre Kate. 

(Emission The Daily Rip, de gauche à droite, Cate Blanchett, Tyler Perry, Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence)

Mare of Easttown, une plongée dans l’Amérique profonde

Après la formidable série The Wire qui se déroule dans les quartiers gangrenées par la drogue de Baltimore et dont nous avons souligné ici les grandes qualités (1), nous venons de découvrir une mini-série passionnante de 7 épisodes, Mare of Easttown qui nous offre une plongée dans l’Amérique profonde, une petite ville industrielle de Pennsylvanie. C’est la grisaille qui domine. Un décor de fils électriques qui pendent, des maisons en bois sans charme particulier. Une population vieillissante, frappée par le chômage, qui vit sur elle-même, coupée du monde ; d’une façon étonnante pour une série américaine les problèmes raciaux ne semblent pas prédominants, le chef de la police, la psychologue sont noirs et entretiennent des relations normales avec les blancs qui représentent, il est vrai, la majorité de la population.

(Kate Winslet dans Mare of Easttown)

On suit le travail quotidien de Marianne Sheehan, Mare pour tout le monde, femme-flic hantée par une affaire non résolue, la disparition, un an plutôt, de la jeune Katie Bailey. Ce qui lui vaut de subir les reproches permanents de la mère de la jeune fille, amie d’enfance de Mare.

Un nouveau drame survient. Une jeune femme, Erin McMenamin, est retrouvée morte, dénudée, dans la rivière, au milieu des bois. Agée de 17 ans, elle était la mère d’un petit garçon.

Mare est chargée de l’affaire ; on lui adjoint un jeune collègue prometteur de la police du comté, Colin Zabel, connu pour avoir brillamment résolu un « cold case ». 

L’enquête sur le crime va se dérouler tout au long des épisodes, d’une manière passionnant.e avec toutefois un dénouement un peu artificiel

Mare Sheehan, est une femme divorcée, dans la quarantaine. Elle vit avec sa mère, Helen, sa fille adolescente, Siobahn, et son petit-fils de quatre ans, Drew, dont elle a la garde. Elle est bourrue, peu chaleureuse, capable parfois d’actions malhonnêtes. Elle est profondément marquée par le suicide de son fils ainé, Kevin qui était toxicomane. Elle a des relations difficiles avec ceux qui l’entourent. Avec sa mère pourtant enjouée, fantasque, avec sa fille aussi et ses problèmes d’adolescente. La garde de son petit-fils, à la santé fragile, lui est contestée par sa mère biologique mais qui elle aussi à des problèmes avec la drogue. Frank, son ex-mari, habite la maison en face de chez elle et songe à se remarier…

Il y a dans cette série tous les ingrédients d’un thriller policier, du suspense (notamment en fin de chaque épisode, ce que les américains appellent des cliffhangers), les indices s’accumulent, les fausses pistes se multiplient, les rebondissements sont nombreux, des suspects défilent dont la plupart appartiennent au cercle des connaissances de Mare. À Easttown, les habitants se connaissent. Mare y a toujours vécu.

« La mission », retour vers le classique

En ces temps de crise sanitaire, période frustrante pour l’amoureux du grand écran privé de ses plaisirs, l’offre des plateformes de « streaming » est loin d’être négligeable, elle recèle même des pépites. A admirer certes sur des écrans de dimension plus modeste comme  le téléviseur ou l’ordinateur.

« La mission » est une de ces pépites qui vient d’être mise en ligne par Netflix. Il s’agit d’un western, genre devenu rare, mais qui vient de connaître récemment quelques belles réussites comme le « True Grit » (2010) des frères Coen ou « Les frères Sisters » (2018) de Jacques Audiard.

Le film « La mission » réalisé par Paul Greengrass a comme principal acteur Tom Hanks (qui s’est illustré, tout le monde s’en souvient, notamment dans  « Forrest Gump »,  « Saving Private Ryan », « Pentagon Papers » ) et la jeune comédienne allemande  Helen Zengel.

L’action se déroule au Texas, en 1870, une année charnière. La guerre de Sécession est terminée depuis cinq ans mais les fractures sont nombreuses. Les Noirs libérés sont loin d’avoir acquis leurs droits civiques et économiques, les Blancs dont le racisme reste ancré dans les esprits gardent une rancoeur contre les troupes d’occupation du Nord, les tribus indiennes, encore présentes, sont pour la plupart d’entre elles sur un pied de guerre.

Jefferson Kyle Kidd, ancien capitaine dans l’armée de la Confédération, donc du côté des vaincus, gagne sa vie, en allant de ville en ville, faire des lectures publiques. Devant des gens, la plupart analphabètes, et moyennant la participation d’une pièce de 10 cents, il lit et  commente les articles des journaux en passant en revue « les nouvelles du monde ». Très bon comédien, il manie tour à tour l’humour et la gravité. Le public se passionne pour les nouvelles locales (épidémie de méningite, nouvelles liaisons ferroviaires) mais hurle dès que sont évoquées des informations relatives au Nord du pays.

Sa route va croiser celle d’une jeune fille de 10 ans, Johanna Leonberger, d’origine allemande, élevée depuis plusieurs années par la tribu indienne des Kiowa à la suite du massacre de ses parents. Rescapée après un raid de l’armée contre le campement de la tribu, elle va être renvoyée contre son gré chez sa tante et son oncle, à 600 km de là, dans une communauté allemande.

Jefferson Kyle Kidd, après avoir tenté de la confier aux autorités, accepte, par obligation (morale), de la ramener au domicile de sa parenté. La gamine de 10 ans, Cicada en kiowa, qui ne parle pas anglais, se montre très farouche et n’est pas disposée à retrouver les siens. Ce duo séparé par l’âge, par la langue, entame  alors un périple de  600 km de Wichita Falls à Castroville où réside la famille qui reste à Johanna. Ils vont affronter de nombreux obstacles, naturels comme le désert, mais bien plus dangereux, une société violente (les bandits, les propriétaires terriens, les Indiens). Sans dévoiler toutes les péripéties, Kidd apparaît dans la bonne tradition du western comme un homme solitaire qui accomplit sa mission de manière généreuse. 

 

The Wire, un chef-d’oeuvre du genre

Les séries télévisées sont devenues en peu d’années un genre majeur dans la production audio-visuelle. Pouvant se déployer à travers de nombreux épisode eux-mêmes articulés autour de saisons, elles permettent aux auteurs (showrunners, réalisateurs, scénaristes,….) de raconter des histoires au long cours, multiplier les personnages, les situations, le scènes d’action.

Les auteurs des séries ont déjà produit de grandes oeuvres, ainsi les séries américaines The Sopranos, Breaking Bad, MadMen, The Americans, Game of Thrones, les séries anglaises The Crowns, Peaky Blinders, la série politique danoise  Borgen, la série allemande Babylon Berlin, la série italienne Gomorra et bien entendu la série française Le Bureau des Légendes, ont acquis une notoriété internationale qui ne la cède en rien à la production proprement cinématographique.

Récemment le grand Martin Scorsese s’est converti à la série en réalisant The Irishman pour Netflix.

Les grandes plateformes (My Canal, OCS, Netflix….) ont cet avantage de permettre une vision de l’ensemble d’une série. Les épisodes se consomment dans l’entresoi, devant son téléviseur, son ordinateur, son smartphone. Leur côté addictif est indéniable ; lors de l’interminable confinement que nous venons de subir, elles nous ont offert de belles évasions.

Nous avons choisi de vous parler de la série The Wire (« A l’écoute » en français) qui nous fait plonger au coeur d’une  grande ville américaine gangrenée par la drogue où les problèmes raciaux, revenus récemment au coeur de l’actualité, sont traités sans manichéisme. L’action se déroule à Baltimore dans l’Etat du Maryland, port sur l’Atlantique, à une soixantaine de km au Sud de Washington DC. Baltimore est une ville de 620.000 habitants avec une population majoritairement noire.

The Wire est une série d’une grande intensité dramatique tout en étant proche de situations réelles, on a pu parler d’un quasi-documentaire. Elle nous montre comment la criminalité conditionne la vie quotidienne des habitants  de la ville  au premier rang desquels bien sûr des policiers des divers échelons hiérarchiques, la justice avec ses procureurs, ses juges, ses avocats (souvent véreux), les dealers, les chefs et les petites mains, les usagers de drogues,  les dockers épaulés par leur syndicat, les enseignants bien désarmés face à des élèves hostiles, les promoteurs immobiliers, les politiciens de tous poils utilisant tous les moyens pour conquérir ou conserver le pouvoir, les journalistes à la recherche effrénée du scoop, …. On touche du doigt la paupérisation d’une large partie de la population, le délabrement urbain, le déclin du monde ouvrier, la crise du système éducatif, ….

(The Wire - Saison 1 - Dealers)

Les auteurs

La série a été diffusée sur HBO du 2 juin 2002 au 9 mars 2008. 60 épisodes regroupés en 5 saisons. Chaque épisode dure de 50 à 60 minutes. 

Le créateur de la série est David Simon, ancien journaliste du Baltimore Sun pour lequel il a travaillé près de douze ans. Il a ensuite écrit des livres qui ont servi de base à ds séries. Pour The Wire, il est crédité comme producteur exécutif et scénariste principal. 

The Wire, est également largement basé sur une expérience de vingt ans de Ed Burns, ancien inspecteur de la brigade criminelle de Baltimore ; celui-ci s’est ensuite tourné vers l’enseignement puis est devenu co-auteur de livres avec David Simon et participant actif à The Wire. 

L’urgence d’un nouveau gymnase à Louveciennes

Dans le cadre de la campagne des Municipales, La Tribune de Louveciennes a décidé de donner la parole à des Louveciennois, porteurs de projets ou agitateurs d’idées. Lionel Régnier nous suggère de réfléchir à la rénovation du gymnase Jacques Tassin, mis en service en 1965 avec une extension en 1974, et qui craque de toutes parts devant l’afflux des passionnés d’activités sportives.

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‘(Gymnase Jacques Tassin, vue générale, février 2020)

« Un besoin d’être en harmonie avec le corps et l’esprit »

Depuis les années 2000, un besoin de prendre soin de son corps et de sa santé est apparu à de nombreux citoyens comme indispensable et incontournable.

Ce corps est malmené par trop de sédentarité, par des temps de transports quotidiens de plus en plus longs et pénibles (bouchons pour les voitures, fiabilité incertaine pour les trains,…).

L’esprit, lui aussi, est mis sous tension par un stress, une insécurité et des incivilités de plus en plus croissants à notre époque.

Toutes ces agressions intellectuelles et physiques répétitives ont conduit les personnes en activité à rechercher dans les activités sportives douces et celles plus toniques les instants indispensables de détente, de sérénité, de bien être sans lesquels elles ne pourraient pas retrouver leur équilibre.

Il en est de même pour les séniors qui, au travers d’une activité physique pratiquée en collectivité dans la bonne humeur, cherchent à garder une bonne santé et à tisser un lien social au contact des autres.

La pratique d’activité physique est aujourd’hui un sujet sociétal avec une société qui bouge. « Etre en harmonie avec le corps et l’esprit » est toujours d’actualité.

La commune de Louveciennes a déjà investi dans 2 maisons de santé, il est maintenant urgent qu’elle investisse aussi dans les moyens qui éviteront à la population de s’y rendre !

Nous savons aujourd’hui les bienfaits de « bouger »  sur la santé morale et physique.

Louveciennes doit être fière d’avoir une population dynamique qui bouge et doit en conséquence penser à mettre à niveau ses équipements sportifs et de loisirs.

Louveciennes doit être aussi très fière d’avoir depuis très longtemps une « Association Sportive de Louveciennes » aussi dynamique et proposant un large panel d’activités sportives pour les jeunes, les adolescents sportifs et compétiteurs, les actifs et les séniors. 

« Une offre d’équipements sportifs à mieux connaître et à enrichir »

L’offre globale d’équipements sportifs actuels sur le territoire devrait être recensée et connue des Louveciennois. Cette offre devrait aussi faire l’objet d’un plan d’ensemble de développement et de mise à niveau largement discuté, partagé et finalisé avec les principales parties prenantes du monde sportif et éducatif.

Concernant le gymnase Jacques Tassin, le nombre de pratiquants a augmenté significativement à Louveciennes alors que celui-ci n’a pas bougé depuis 1974 !

Et compte tenu des nombreux logements construits ces dernières années, en construction et en livraison actuellement et ceux prévus dans le futur, ce nombre va augmenter encore.

De plus, la priorité, totalement justifiée, fixée par la mairie il y a 6 ans, de mettre l’accent sur notre jeunesse a conduit de facto à réduire le nombre d’heures à disposition pour les sections de l’ASL, le gymnase n’étant pas extensible.

Il faut savoir que chaque jour entre 500 et 700 personnes franchissent la porte du gymnase.

Ne pas oublier non plus que de nos jours le «gymnase » d’une ville doit être conçu comme un véritable lieu de vie inter-générationnel. 

C’est pourquoi la réflexion ne doit pas se limiter à un simple espace d’évolution sportive mais doit être aussi pensé comme un lieu accueillant et ouvert offrant un cadre de rencontre et de convivialité, agréable pour de nombreux utilisateurs.

Outre des salles d’activités sportives et artistiques (danse), il faudrait y ajouter par exemple une cafétéria avec bibliothèque de livres et documents liés aux sports et à la santé en libre service, un espace de convivialité communs aux associations, un ou 2 bureaux pour des associations sportives, des espaces de rangement des matériels sportifs plus nombreux et mieux situés,…

Il faudrait aussi penser aux sports « cérébral », bridge, échecs, tarot,… et pouvoir disposer d’une ou 2 salles permettant aux pratiquants d’y jouer.

Ce gymnase devrait pouvoir ouvrir sur une période beaucoup plus étendue, les week-ends et pendant les vacances scolaires car les adolescents, les actifs et les séniors ne vivent pas au rythme de l’éducation nationale et certains scolaires ne peuvent pas partir en vacances.

Dans les pas de Pierre-Auguste Renoir (4) … A Louveciennes

Pierre-Auguste Renoir a une relation très forte avec Louveciennes. Ses parents, Léonard et Marguerite, quittent Ville d’Avray  en 1869 pour s'installer dans le village et pour y demeurer jusqu’à leur décès. Il vient souvent leur rendre visite et fait découvrir Louveciennes à Pissarro et à Sisley.

Renoir va séjourner à de nombreuses reprises à Louveciennes. Il y peint un certain nombre de paysages. Il faut cependant reconnaître  que ses tableaux sur Louveciennes sont loin d’atteindre la haute qualité de ceux peints par ses amis Sisley, Pissarro ou Monet. 

Il se montre enthousiaste pour Louveciennes qu’il décrit ainsi à un ami, le critique d’art, Gustave Geffroy : 

« Quand vous voudrez voir ou revoir un des plus beaux pays qui soit à une heure  de Paris, vous n’aurez qu’à prendre un train quelconque gare Saint-Lazare et venir manger petits pois et fraises du pays matin et soir. » (1867) 

Une autre description empruntée à Victorien Sardou, l’auteur dramatique, permet d’avoir une impression du Louveciennes de cette époque (1867) :

« D’un côté des vignes en étages, d’un autre côté ce creux tout foisonnant en verdure ; en face, des maisonnettes perdues dans le feuillage … et couronnant le tout, les belles arcades de l’aqueduc qui donnent à ce paysage un grand air italien - En somme, la plus délicieuse arrivée de pays qu’on puisse voir ! - De quelque côté où vous vous tourniez les yeux, les lignes de terrain se raccordent par les ondulations les plus douces, et avec les plus heureux contrastes de lumière et de verdure. Partout l’espace, l’air vif, ces mille parfums champêtres, ce grand silence, tout plein de bruits confus… enfin je ne sais quoi, qui résulte à la fois du ciel, de la franchise du vent, du cri de l’oiseau… et qui vous dit clairement « Voici le vrai village ! Tu peux entrer ; ôte ton habit, si tu as chaud - chante si tu est gai ! - Tu n’offenseras ici personne » (in Paris-Guide, 1867)

Dans cette description de Louveciennes manquent les châteaux et les grandes demeures appartenant à la haute bourgeoisie à l’abri de leurs murs de pierre ; ils seront largement ignorés, il est vrai, par les impressionnistes.

Les années décisives

En 1869-1870 Auguste Renoir demeure place Ernest Dreux (à l’époque Place Bellevue) dans le hameau de Voisins. Il travaille en particulier  avec Claude Monet qui était installé dans des conditions précaires avec sa compagne, Camille Doncieux, au Hameau Saint-Michel à Bougival, tout proche. C’est pendant les deux mois de l’été 1869 qu’ils vont peindre les fameux tableaux de La Grenouillère. Dans une lettre à Frédéric Bazille il écrit : « je suis chez mes parents et je suis presque toujours chez Monet (… ) On ne bouffe pas tous les jours, seulement je suis tout de même content parce que pour la peinture Monet est une bonne société. » (août 1869) 

Depuis la maison place Dreux il peint plusieurs tableaux dont Vue sur Louveciennes, 1870 (Collection particulière) et  La vallée de la Seine vue de Louveciennes, 1871 (Collection particulière).
De cette époque date également Une route à Louveciennes. 

Une route à Louveciennes

Vers 1870

Huile sur toile

38,1 cm x 46,4 cm

Metropolitan Museum of Art de New York

(Fichier Wikimedia Common

Ce tableau est également dénommé par certains «Promenade dans un parc ».  Il ne s’agit en réalité pas d’un parc, le chemin se situe au niveau de la gare actuelle. La maison qu’on aperçoit fait partie du hameau de Voisins. Au fond on devine l’aqueduc. 

De la nature foisonnante et enveloppante émerge une famille effectivement en promenade, la femme, en robe blanche à crinoline et coiffée d’un chapeau rouge, l’homme en noir tenant un canne, à leur côté une petite fille en robe blanche, les suivent, une femme vêtue de noir et un jeune garçon.

Renoir aime bien cette immersion de personnages dans la nature, on la retrouve dans d’autres toiles comme dans le remarquable Chemin montant dans les hautes herbes (idée de composition qu’il partage d’ailleurs avec Monet)

 

Dans les pas de Pierre-Auguste Renoir (3)... A Bougival

Bougival est avec les communes avoisinantes de Chatou, Croissy, Louveciennes et du Port-Marly et le paysage qui les entoure le véritable berceau de l’impressionnisme (1). Le choix de cette région s’explique aisément. Ces sites, inscrits dans une boucle de la Seine et adossés à des coteaux boisés ou couverts de vignes et d’arbres fruitiers, sont d’une grande beauté. Bougival présente également l’avantage d’être  à 17  km de Paris, d’être commodément accessible, en ce milieu du XIXème siècle, grâce au chemin de fer reliant la gare Saint-Lazare à Rueil et de là, un omnibus à chevaux amène à destination. Les Parisiens par milliers prennent l’habitude de venir passer le dimanche au bord de la Seine. Pour les accueillir, des guinguettes, des barques en location, des fêtes nautiques, des bals,… qui se succèdent durant la belle saison. D’autres citadins passent franchement l’été, la semaine, la journée dans des châteaux ou maisons de campagne ou encore dans de simples maisons de village en location.

Les grands peintres impressionnistes (Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Auguste Renoir…. vont y réaliser des toiles parmi les plus célèbres). Avant eux, des maitres comme Corot, Turner avec son célèbre tableau Le débarcadère de l’île de Croissy à Bougival (1831) ont magnifié le lieu. Bougival n’est plus franchement un bourg rural. La commune a également une face plus laborieuse qu’on ne trouve que rarement dans les toiles des impressionnistes. 

Huit toiles d’Auguste Renoir ont été identifiées comme ayant été peintes à Bougival (2) parmi lesquelles figurent Vue de Bougival  (1873), Bords de Seine à Bougival (1875), Sur la Terrasse (Les deux sœurs) (1881), Canotage à Bougival (1881), Danse à Bougival (1882). Renoir n’a jamais séjourné dans la commune, contrairement à son ami Monet, mais dans celle toute proche de Louveciennes. On sait également que Berthe Morisot, grande figure de l’impressionnisme, a vécu et travaillé à Bougival où elle a loué une maison de campagne et s’y est installée chaque été entre 1881 et 1884.

Vue de Bougival

1873

Huile sur toile

49,5 cm x 57,1 cm

Milwaukee Art Museum

(Fichier Wikimedia Commons

Le tableau date de 1873, c’est-à-dire quatre ans après les toiles révolutionnaires de La Grenouillère. Il reste dans la pure veine impressionniste avec l’utilisation de la technique particulière de la touche fragmentée. Vue de Bougival a été peint sur l’île de la Chaussée située au milieu de la Seine, au large de Bougival, à l'emplacement du fameux bal des canotiers.

Au premier plan, un chien couché ; au centre de la toile, selon un plan horizontal on distingue de gauche à droite une cabane en bois peinte qui faisait office de guinguette, un couple bourgeois, elle habillée d’une belle robe blanche à crinoline et tenant dans une main une ombrelle, lui en habit noir et portant le chapeau de rigueur, puis la Seine avec des yoles attendant les clients ; de l’autre côté du fleuve, on aperçoit des maisons de Bougival avec au loin la colline qu’on appellera plus tard la colline des impressionnistes.

La vision est bucolique. Quel contraste avec la toile de Camille Pissarro  Le lavoir de Bougival (1872) qui donne à voir un paysage touché par l’industrialisation, aspect totalement ignoré par Renoir. Bien que d’origine modeste, on cherchera en vain dans ses tableaux la trace de gens exerçant un dur labeur. Il reste avant tout le peintre des instants de bonheur.